“CAFARNAÚM” Cine 2018

O de cómo un niño no tiene sonrisa.

O de cómo retratar las desigualdades sociales.

O de cómo el azar de nacer en un tiempo y en un lugar convierte la vida en un infierno o en un paraíso.

De eso va esta película dirigida por una mujer en el Líbano…lo que no ha debido ser fácil.

El protagonista es un niño de doce años al que dibujan como portador de un sentido de la justicia y de una capacidad de resolución nada habitual.

El contexto una familia –los padres y un montón de hijos- habitando un cuchitril que les han prestado…no a cambio de nada, claro.

La historia va y viene, realidad pasada y realidad presente a través de flashbacks , mientras se desarrolla un juicio con reos, víctima, juez, abogados…

¿Y qué nos describe? La dureza de la pobreza, la incultura, la supervivencia, la servidumbre del sometimiento a ciertas tradiciones como las bodas de menores, la aceptación de los hijos con total ausencia de planificación familiar, “los que dios quiera”… Los “sin papeles”, ese subgénero de personas invisibles que, sin embargo, tienen corporeidad, y sentimientos, y necesidades, y valor.

Y lo vemos a través de las peripecias de un niño que demuestra tener un alto sentido de lo que es, o no, justo; una capacidad de

resolución como no tienen sus mayores; una impronta rebelde que lo lleva a enfrentarse con todo aquello que cree que tiene que cambiar.

Como recurso para ponernos frente a esa realidad el guion crea un personaje, una mujer de raza negra, etíope, con su bebé, a la que le han caducado sus “papeles” y que acaba formando un tándem con el niño; ambos se

dan aquello que están necesitando, cariño, respeto y atención a él, y apoyo a ella y a su hijo por parte del niño; una burbuja que les salva hasta que la realidad la pincha.

Vemos también cómo proliferan los desalmados al albur de las necesidades de los más desvalidos, esas mafias depredadoras que engañan con las promesas de conseguir documentos, viajes; trata de personas para explotación sexual o cualquier otra forma de esclavitud.

La película acaba siendo un tanto reiterativa en la descripción de

las idas y venidas.

Tiene secuencias entrañables como el momento de la ducha del niño y el bebé en una gasolinera a base de manguerazos  (por cierto el único momento en que nuestro protagonista ríe). Y la relación del niño con su hermana de once años que acaba de entrar en la pubertad y a la que quiere proteger…

La interpretación buena en general y de excelencia en el niño.

Secuencias con cambios acelerados de una a otra y planos que nos hablan de las calles, los mercados, el interior de las casas y chabolas, la sala de justicia, la cárcel…nuestro niño héroe

deambulando de uno a otro como deshabitado de sí mismo y buscándose con resolución.

Predominio del montaje; planos generales y aéreos.

Banda sonora que incita a la emoción.

En fin, un documento real de realidades que nos tocan muy de soslayo pero que están ahí al lado y que no está mal que nos las cuenten por si las podemos mejorar y que, desde luego, conmueve profundamente.

Título original: Capharnaümaka	REPARTO: Zain Al Rafeea, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad, Fadi Kamel Youssef, Cedra Izam, Alaa Chouchnieh, Nour el Husseini, Elias Khoury, Nadine Labaki
Dirección: Nadine Labaki
Guion: Nadine Labaki (Historia: Labaki Jihad Hojeily)
Fotografía: Christopher Aoun
Música: Khaled Mouzanar
Productora: Coproducción Líbano-Estados Unidos -Francia; Les Films des Tournelles
País: Líbano
Año: 2018  // Duración: 126’
Género: Drama | Pobreza. Infancia
Nominada a Mejor película de habla no inglesa a los Oscar 2018

-MAY IBÁÑEZ-

Febrero 2019

“MARÍA REINA DE ESCOCIA” Cine 2018

Magnífico cine histórico.

Las localizaciones exteriores, el interior de los castillos, el vestuario, maquillaje, la ambientación, la luz, el ritmo dramático… Todo muy bien.

La actuación teatral  de todos los personajes y en especial de las dos protagonistas, que se apoya en todo lo anterior, hace creíble y potencia el desarrollo argumental.

Estamos frente a dos mujeres moviéndose por la pegajosa red de los ambientes cortesanos plagados de intereses de familias por ganar poder y que no ven límites ni morales ni físicos para conseguirlo.

Dos mujeres -dos reinas de dos reinos, Inglaterra y Escocia- con el firme propósito de unirlos en uno solo y  hacer aquello que consideran mejor para su pueblo enfrentándose a conspiraciones de todo tipo por parte del poder civil y religioso y acuciadas por la perentoria necesidad de dar

un/una heredera al trono.

Dos mujeres, parientes, bregando por la legitimidad de sus derechos a reinar según la preeminencia en la  línea dinástica de la que provienen. A saber, María Estuardo podía acceder al trono

inglés por su padre Jacobo V ya que era hijo de Margarita Tudor (hermana de Enrique Tudor o Enrique VIII de Inglaterra)  y Jacobo IV.-  Por su parte Isabel aspiraba al mismo por ser hija de Enrique VIII de Inglaterra y Ana  Bolena  ( Enrique VIII se separó de la Iglesia Católica para casarse con ella) y a pesar de que su padre nunca la reconoció, por lo que se consideraba bastarda. Las Iglesias Católica y Protestante en medio de las trifulcas por ganar poder. El cóctel está servido.

Dos mujeres en un mundo de hombres que sienten curiosidad y

respeto la una por la otra y que hubieran querido resolver la situación de manera menos insidiosa…

Sorprende la liberalidad de María, la Reina de Escocia, católica, para aceptar que cada ciudadano abrace la religión que quiera, que cada ciudadano sea como quiera ser y no como le impongan…frente a los curas que desde sus púlpitos arengaban a la lucha por lo contrario en un enfrentamiento entre católicos y protestantes…o al menos eso es lo que dibuja el guion de la película. Murió decapitada. Su hijo  acabó siendo rey como Jacobo I de Inglaterra y VI de Escocia, uniendo a los dos reinos.

El guion resulta un tanto caótico por la sucesión de viajes, batallas,

diversidad de personajes…y por la propia variedad de linajes y familias implicadas en las conspiraciones.

En fin, a pesar de todo, una muy buena película que hay que ver.

Título original: Mary, Queen of Scots	REPARTO: Saoirse Ronan, Margot Robbie, Jack Lowden, Joe Alwyn, Martin Compton, Brendan Coyle, David Tennant, Guy Pearce, Gemma Chan, Ian Hart, Maria Dragus, Ismael Cruz Cordova, Adrian Lester, Michael Cobb
Título: María, reina de Escocia
Reino Unido
Director: Josie Rourke
Guión: Beau Willimon
Productora: Focus Features, Working Title Films
Género: Biopic -histórica
Año: 2018
Duración: 124’

-MAY IBÁÑEZ-

Febrero 2019

“SOBRE PADRES E HIJOS” Teatro 2018

Adaptación libre de la novela “Padres e hijos” de Iván Turguéniev.

Los personajes: Una madre, su hijo y el tío, familia acomodada. Otra familia más humilde con los padres y el hijo. Los jóvenes, universitarios, rebeldes y disconformes. Una viuda que viene a constituir un puente a nivel ideológico y de edad entre los otros

personajes.

Un concepto no tiene sentido si no es confrontando a su contrario. La obra plantea el conflicto entre el concepto tradición – lo que se hereda y conforma la identidad a lo largo del tiempo- y el concepto ruptura -como reinicio desde cero, desde la destrucción de lo que existe, para innovar-

Los dos jóvenes protagonistas se enzarzan vivamente con sus mayores en torno a los conceptos tradición versus ruptura como expresión de conflicto generacional, eso que ha sido común a lo largo de la historia y que en la obra lo explicitan en un parlamento citando a Sócrates, Platón y otros…nada nuevo pues.

Es inevitable reconocer en los jóvenes idealistas y rebeldes a los creadores de “Podemos”, con nombres y apellidos, como hijos del movimiento 15M de 2011; y en sus mayores, defensores de políticas neoliberales consolidadas, a los partidos PSOE y PP.

Y las circunstancias que “vemos” a través de la ira de los jóvenes

son los recortes, los desahucios, la precariedad, el paro, los bajos salarios, la necesidad de emigrar a otros países, la corrupción, la inoperancia de las instituciones…ese paisaje que nos acompaña desde hace ya algunos largos años y que justifica su rebeldía. El dilema está en cómo resolverlo: con lo que tenemos o con sistemas nuevos. Ese es el enfrentamiento y el conflicto táctico y moral.

Claro, que en el camino irrumpe un factor inesperado: el sentimiento, la necesidad de amar en singular, eso que paraliza las funciones de la corteza prefrontal y que ciega la capacidad de razonamiento. Nuestros chicos entran en ese torbellino –el amor- y su actitud comienza a cambiar, a pasar de lo universal a lo particular.

La deriva por la que pasa actualmente “Podemos” y sus “mareas” dibuja un paralelismo con la propia evolución de nuestros personajes, con muchos matices, claro… Eso el espectador lo sabe… aunque la historia continúa…

 (Una puntualización feminista: el parlamento entre los dos chicos jóvenes, los rebeldes, los que quieren cambiar el mundo, al inicio de la obra. Están hablando de sus relaciones con las chicas y de sus experiencias sexuales y el más rebelde incita al otro a lanzarse a por ellas, a hacer una larga lista para depredar. Nada de sentimientos, te harán buenas mamadas… En fin, ni progres ni conservadores, en lo que se refiere a la mujer la cosificación, la misoginia está servida y en la mesa…)

Y esa es la trama de la obra.

¡Y qué bien han sabido adobarla y componerla, y qué placer de

declamación, y de expresión, y de movimiento. Y qué elegancia en conjunto!

A resaltar el aprovechamiento del espacio escénico. ¡Cómo han deambulado por todo él con juegos de persecución, bailes, desplazamientos…!

La banda sonora ha reforzado bien cada momento dramático, tal vez un poco alta de volumen pero que no ha impedido la audición porque los actores-actrices subían el tono y lo resolvían.

La escenografía elemental, transportable y apilable, como ha dicho un amigo. Mesas, sillas, un jarrón con flores. Funcional y efectiva.

Vestuario entre actual e indefinido.

Curioso el recurso utilizado de, a mitad de frase, cortar a modo de acotación y dirigirse al público explicando algún matiz de lo que se hace o se habla. Me ha gustado porque nos ha integrado más en la obra y  generado una mayor complicidad con la trama.

Por otra parte, se ha utilizado el método de distanciamiento de Bertold  Brecht a través de convertir a los actores-actrices en

espectadores de su propia obra para así despertar en el público la conciencia crítica de lo que estamos viendo.

Interpretación magistral de todo el elenco, en serio, de excelencia.

El Director ha logrado que sacaran lo mejor de ellos.

Mis felicitaciones a “LA GUINDALERA”, ha sido un disfrute participar de su espectáculo y ha demostrado que está en lo alto del mundo del teatro.

Felicitaciones a su Director Juan Pastor que algo tendrá que ver con la “guinda” que ha creado.

Un disfrute.

Título: “Sobre padres e hijos”	REPARTO: Margarita Lascoiti es: madre de Jorge, madre de Antonio José Maya es: tío de Jorge y padre de Antonio María Pastor es: Anna Jorge Tejedor es: Jorge Antonio Lafuente es: Antonio
Adaptación libre de Juan Pastor de “Padres e hijos” de Iván Turguéniev
Dramaturgia y Dirección: Juan Pastor
Espacio escénico: Juan Pastor
Diseño de iluminación: Sergio Balsera
Ambientación y vestuario: Teresa Valentín-Gamazo
Música original: Pedro Ojesto y Marisa Moro
Producción: Guindalera Teatro S.L.
Ayudante de producción: Sara García
Coreografía swing: Anabel Núñez
Regiduría: Paula Gutiérrez Contreras
Realización decorado y vestuario: Escena Abierta / Isabel López Gómez
Compañía: GUINDALERA

-MAY IBÁÑEZ-

Febrero 2019

“GREEN BOOK” Cine 2018

O de cómo se establece una simbiosis entre dos corrientes opuestas y contrarias y acaban enriqueciéndose la una a la otra sin destruirse.

O clasicismo versus barbarismo que termina en un empate.

Basado en la historia real de Donald Walbridge Shirley conocido como Don Shirley, músico y compositor afroamericano que fusionó la música clásica con el jazz.

La peli se desarrolla en Estados Unidos en 1962.

En el barrio del Bronx de Nueva York un energúmeno tramposo y tosco se las ventila con todo tipo de recursos para sobrevivir con su familia de origen italiano. Por supuesto considera (como la mayoría de blancos de la época) a los negros como especímenes inferiores.

Y en el corazón de Manhattan, Séptima Avenida y Calle 57, a dos manzanas de Central Park y en una planta sobre el Carnegie Hall de Nueva York, un negro refinado, culto,  virtuoso del piano y aclamado por “la crème de la crème”  estadounidense.

El bárbaro es contratado por el clásico como conductor para que lo transporte en su gira artística por Estados Unidos. Se trata pues de una road movie o película de carretera, lo que nos permite ver bellos y diversos paisajes.

Y, como podemos presuponer, en la medida que se interna en la América Profunda el negro se las

tiene que ver con situaciones relacionadas con la discriminación racial, enervantes, irritantes, vejatorias…pero el blanco también tendrá problemas por su tosquedad en medio de los grupos refinados con los que tiene que lidiar.

Eso da lugar a situaciones cómicas pero también dramáticas que irán fraguando una relación más estrecha y “didáctica” para los dos sujetos.

Desde este argumento se podía establecer una similitud con los acontecimientos que comportan los movimientos migratorios contemporáneos  y  la diversidad de culturas que conllevan: lejos de violentar enriquecen siempre que evolucionen dentro del marco de los derechos humanos. Hemos sido desde siempre un permanente cóctel de pueblos, razas y culturas y a sus hombros estamos. Y será mejor si entendemos que este pequeño planeta es la casa de todos.

La interpretación muy buena.

La progresión dramática en su punto.

Banda sonora magnífica.

Es por tanto una película de la que sales sintiendo que el mundo es un poco mejor que cuando entraste, y eso no es nada banal con lo que está cayendo.

Recomiendo verla.

Título original: Green Book	REPARTO: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini, Ricky Muse, David Kallaway, Montrel Miller,  Harrison Stone,  Mike Young, Jon Michael Davis, Don DiPetta, Mike Hatton,  Dimiter D. Marinov, Craig DiFrancia,  Gavin Lyle Foley, Randal Gonzalez, Shane Partlow
Dirección: Peter Farrelly
Guion: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga
Música: Kris Bowers
Fotografía: Sean Porter
Productora: Universal Pictures / Participant Media / DreamWorks SKG / Innisfree Pictures / Wessler Entertainment. Distribuida por Universal Pictures
Año: 2018
País: Estados Unidos Estados Unidos
Duración: 130 min.
Género: comedia dramática

-MAY IBÁÑEZ-

Febrero 2019

“LA CASA DE JACK” Cine 2018

Sobre un asesino en serie que pretende ser un artista del crimen. Escenas crudas y directas.

Tópicos que se repiten en este tipo de cine y que también vemos en esta película:

La causa está en la infancia: Como recurso común, algún incidente en su infancia lo marcó, y lo encaminó sin remedio a su patología. Aunque no lo explicitan lo dejan entrever en imágenes.

Incapacidad de empatía: Hay una escena que manifiesta su incapacidad para ponerse en el lugar del otro; frente al espejo copia y ensaya gestos de alegría, tristeza, asombro, interés…para comunicarse con los demás sin delatarse.

El asesino desea que lo detengan pero aunque lo pida a gritos y deje muestras y huellas de sus aberraciones nadie, ni policía, ni víctimas, ni vecinos parecen percibir su maldad por lo  que él va cada vez más lejos en su comportamiento asesino y en su impunidad.

Trastorno de personalidad: La película muestra recurrentemente la escena de la construcción de su casa, que destruye una y otra vez porque los materiales no le satisfacen. Supongo que pretenden que lo asociemos a su propia personalidad, con la que no acaba de encajar.

Estructurada en cinco intervenciones asesinas, y un epílogo con bellísimas secuencias  como bajada a los infiernos.

Juegan a mostrarnos cuadros de pintores de todas las épocas, bellísimos, para hacernos ver su interés por el arte y por crear su

propia “obra artística” en una clara expresión de su narcisismo: su obra superará a cualquier otra existente.

Y la mujer como víctima de su propia incapacidad de defensa, de su inocuidad, tal vez de su estupidez… O así parece plantearlo el guion.

Finalmente pretenden hacer filosofía cuando en una secuencia plantean la posibilidad o no de que haya un puente que permita pasar de la maldad a la bondad, del infierno al cielo…lograr la

redención, y claro, la película muestra su propia tesis. Cada cual que saque sus conclusiones.

Escenas aberrantes, durísimas, explícitas, difíciles de soportar.

Y laaaargaaaa…

Buena interpretación. Buenos fotogramas. Buen cine.

Pero, francamente, no la recomiendo. Hay que ser capaz de distanciarte para verla sin rabia, ira, irritación, nauseas.

Título original: The House That Jack Built	REPARTO: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Sofie Gråbøl, Siobhan Fallon, Ed Speleers, Osy Ikhile, David Bailie,  Yu Ji-tae, Marijana Jankovic, Robert G. Slade
Dirección: Lars von Trier
Guion: Lars von Trier
Fotografía: Manuel Alberto Claro
Productora: Coproducción Dinamarca-Francia-Alemania-Suecia; Zentropa Productions / Radio (DR) / Film I Väst
Año: 2018
País: Dinamarca Dinamarca
Duración: 150 min.
Género: Drama. Thriller | Crimen. Asesinos en serie. Años 70

-MAY IBÁÑEZ-

Enero 2019

“ROMA” Cine 2018

Trataré de ser breve para contrarrestar toda la publicidad que ha precedido a esta película y a tantos premios como está recibiendo.

La he visto a través de Netflix en casa de unos sobrinos que tienen una pantalla como de sala de cine mientras cenábamos…y después de una sesión de tres horas  del curso que estoy haciendo sobre Literatura y cine que ha incluido ver una peli, por tanto un poco cansada… Tal vez eso justifique el escaso entusiasmo que me ha provocado.

Costumbrista, blanco y negro con muy buenos fotogramas pero no comparable con otra de blanco y negro que he visto recientemente, “Cold War”,  de Pawel  Pawlikowski.

Comienza con una secuencia en la que se ve la silueta de un edificio, la parte alta, y un avión que pasa por delante del  sol. Y

termina con la misma secuencia… Eso nos sitúa frente a una concepción del tiempo circular no se sabe si para repetir eternamente los hechos o para aprender y dar el salto a otros en el siguiente recomienzo. Pero entre la primera y la última, tal vez no haya pasado un año, ¡han ocurrido tantas cosas!... ¡Y tan cotidianas!.

México, el hogar de una familia de clase media alta, el matrimonio, cuatro hijos pequeños, la abuela, el chófer, dos sirvientas indígenas que se comunican en su lengua.

La primera parte me ha resultado muy lenta. Planos que se eternizan en el intento de que el espectador penetre en los momentos introspectivos de los personajes que muestra. Nos va situando en su realidad a modo de planteamiento.

La segunda parte, el nudo,  es la eclosión de los conflictos y resulta más activa para el espectador. Se tiene la sensación de que son dos películas en una.

Retratar lo cotidiano no debe ser fácil porque es un reto a la monotonía, pero aquí el director lo plantea a modo de “arriba y abajo” y nos hace ver cómo los problemas existenciales perturban tanto a unos como a otros y, aunque eso sea una obviedad, mostrarlo no es fácil, e implicar al espectador en ello tampoco; ése es el valor de esta película.

Los conflictos no pasan de ser elementales: la realidad de cada cual no siempre se adecúa a sus deseos porque a menudo choca con los deseos de otro, y eso expulsa de la zona de confort y genera incertidumbre primero y ansiedad después. Y por ello pasan nuestros personajes, la criada y la patrona. En realidad eso nos puede pasar a todos…

La casa como tercer personaje, unas pinceladas del ambiente social en las calles de la ciudad, y la relación entre criadas y patronas nos terminan de perfilar el mapa.

Se viven momentos de cierta tensión que no voy a desvelar.

Pero fundamentalmente es un retrato de dignidad, de respeto y de igualdad cuando nos muestra la relación entre  personas de diferente clase social; son circunstancias que ponen en valor al ser humano, eso y la determinación de resurgir tras la masacre personal a modo de Ave Fénix…la vida sigue y hay que ir a por ella, la felicidad está por llegar…a pesar de todo. Y eso también es bastante común…

Sonido ambiente todo el rato y un tanto alto de volumen que dificulta oír con claridad.

Buena interpretación de carácter naturalista.

Tal vez demasiado larga, se me ha hecho pesada.

Título original: Roma	REPARTO: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira,  Marco Graf, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Daniela Demesa, Nancy García García, Verónica García,  Latin Lover, Enoc Leaño, Clementina Guadarrama, Andy Cortés,  Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero
Dirección: Alfonso Cuarón
Guion: Alfonso Cuarón
Fotografía: Alfonso Cuarón
Productora: Coproducción México-Estados Unidos; Participant Media / Esperanto Filmoj. Distribuida por Netflix
País: México México
Año: 2018
Duración: 135 min.
Género: Drama

-MAY IBÁÑEZ-

Enero 2019